Detta ambitiösa projekt, som helt fokuserar på de avgörande åren i Dylans karriär, tar oss till hjärtat av 1960-talet, en period som präglades av kulturella och politiska omvälvningar. Här är en sammanfattning av höjdpunkterna och de synpunkter som framfördes av skådespelarna och regissören vid evenemanget.
Timothée Chalamet, som spelar Bob Dylan: Jag blev kontaktad med det här projektet 2018 eller 2019. Ärligt talat finns det en miljon skäl, om inte en miljard, som lockade mig till det här projektet. Den första var att min karriär vid den tiden började ta fart och jag fick materialet till den här filmen skickat till mig. Innan jag ens lyssnade på hans musik tittade jag på hans första intervjuer på YouTube.
Han hade en ganska konfrontativ och mystisk attityd, på ett sätt som är helt ovanligt i intervjuer idag. Om jag till exempel skulle svara på din fråga på Dylans sätt skulle det bli konstigt, det skulle inte bli någon riktig konversation. Så det var hans karaktär och de här intervjuerna som lockade mig från första början.
Sedan har vi naturligtvis musiken och allt som han representerade på 60-talet. Han var inte bara en stor person i USA, utan också i Frankrike, Japan och över hela världen!
Efter att ha arbetat med den här filmen i fem och ett halvt år kan jag säga att det här är den roll och det projekt som har haft störst personlig inverkan på mig i allt jag har gjort hittills. Jag är stolt över alla mina filmer, men den här har haft en unik inverkan på mig.
Edward Norton, som spelar Pete Seeger: Du vet, jag tror att det verkliga beviset på Dylans betydelse ligger i en av hans berömda fraser: "I contain multitudes". Hans verk är enormt, det spänner över flera decennier och det utvecklas i takt med våra egna liv. Vid vissa tillfällen får vissa aspekter av vad han gjorde en särskild betydelse för oss, och senare blir vi fästa vid andra dimensioner av hans verk.
Hans arv sträcker sig långt bortom musiken: det omfattar så många faser, aspekter och dimensioner av livet - vare sig det är politiskt, känslomässigt eller något annat. Det är ett enormt jobb. Och jag tror att det är detta djup och denna mångfald som gör hans kreativitet så bestående och så omfattande.
Vi talade också mycket om hur inspirerande han är som konstnär. Det som särskilt imponerar på mig är hans hårda försvar av sin konst. Han följde sina kreativa impulser med en stark beslutsamhet och oroade sig aldrig för kommersiella resultat eller ens för allmänhetens godkännande. Det är ett mycket starkt förhållningssätt som är svårt att efterlikna, men som är ovärderligt som riktmärke.
Jag tror också att han hade en djup filosofisk visdom från en mycket tidig ålder. Han talade mycket lite om sina verk, och när han ombads att förklara deras innebörd sa han ofta: "Jag tänker inte förklara vad det betyder. Du måste själv bestämma vad det betyder." Han hade en intuitiv förståelse för att kraften i hans konst låg i den personliga tolkning som varje person kunde göra av den.
Ta till exempel låten "Boots of Spanish Leather". Om han hade sagt att den bara handlade om att hans flickvän Sylvie åkte till Spanien, så skulle låten ha förlorat sin universalitet. Det var allt den kunde ha varit. Men genom att inte förklara det låter han låten resonera på olika sätt för varje person, beroende på deras egen erfarenhet.
Allt eftersom tiden går undrar jag mer och mer varför vi har denna tendens att vilja dissekera ett verk innan vi ens har gett det tid att uppskattas fullt ut. Det är något jag funderar mycket på.
Monica Barbaro,Joan Baez: Tja, jag kände till hans arbete, men jag kan inte säga att jag var ett stort Dylan-fan. Jag var inte ett fan, långt därifrån. Vad den här historien betyder för mig, och vad jag har älskat, är att se de olika reaktionerna på den här filmen.
Jag har sett två personer komma ut från samma visning med helt motsatta åsikter. Till exempel var min mamma i tårar efter att ha sett filmen. Hon kunde inte sluta prata om The TimesThey Are A-Changin'. Jag kunde känna hur hon satt bredvid mig, djupt rörd, nästan kvävd av känslor. Hon sa att det var viktigt att tiderna förändras, att detta stämde väl överens med hennes intresse för evolution och tanken att generationer inte kan hålla fast vid sin egen diskurs hur länge som helst.
Och å andra sidan berättade pappan till en av mina vänner för mig att filmen för honom speglade musikens guldålder, den bästa perioden i musikhistorien. Han tyckte att vi aldrig skulle ha rört oss bort från den eller försökt ändra på saker och ting.
Jag tycker att det är fascinerande att varje person har en så unik tolkning av filmen. Det beror helt och hållet på deras eget förhållande till musik, konst och den specifika perioden, oavsett om de levde under den eller inte.
För mig var det som slog mig mest med filmen det sätt på vilket den omfamnade en artists utveckling, visade hur den ser ut och presenterade de många olika perspektiv som är möjliga. Varje karaktär i filmen har olika relation till Bob Dylan, en unik reaktion på hans arv, och filmen återspeglar denna mångfald av tolkningar på ett perfekt sätt.
James Mangold är en lysande regissör. Han tvingar aldrig på sin publik en viss åsikt. Han lämnar alla fria att ha sin egen upplevelse av filmen och av Bob Dylan. Jag tycker att det är fascinerande. Dylan betyder så mycket för så många människor, och det som är slående är att det inte finns något fast sammanhang.
Och jag tror att Dylan själv skulle vara glad över att förkroppsliga den idén, friheten att inte påtvinga någon en viss känsla för sitt verk. Den här filmen speglar den filosofin, och jag beundrar honom djupt för det.
James Mangold, regissör : Åh, just det. Massor av frågor! Larven på mattan... (skrattar). Så, arvet. Det är ett begrepp som jag tänker mycket på, och det gör även mina medarbetare som också är Dylan-fans. Men ärligt talat var det inte något jag tänkte på när jag gjorde filmen.
Filmen slutar 1965. Vid den tidpunkten var ingen av rollfigurerna medveten om något "arv". Jag är inte ens säker på att de hade en klar uppfattning om de dogmer eller principer som de skulle utveckla i sina respektive karriärer. Pete kanske hade det, men jag tvivlar på att Bob hade en fullt utvecklad konstnärlig filosofi vid den tidpunkten.
Mitt främsta mål, oavsett om jag skrev, regisserade eller samarbetade med dessa talanger, var att förankra oss i det specifika ögonblicket, i vad det representerade vid den tidpunkten. Inte på det sätt som vi tolkar dessa händelser 25, 35 eller 50 år senare.
Ingen vet när de sjunger en låt för första gången att den kommer att bli en ikon. Ingen vet att den kommer att bli ett kulturellt landmärke. Ordet "ikon" är ett mycket modernt, post-Internet sätt att hänvisa till nästan vad som helst och allt. På den tiden var Bob Dylan bara en sångare och låtskrivare, men det var tydligt att han var kopplad till något djupt kraftfullt.
Och jag tror att han var medveten om det själv, på en viss nivå. Allt jag försökte göra, särskilt för Timothée, men också för hela teamet, var att koncentrera mig på just det ögonblicket, på de mellanmänskliga relationerna. Det som hände då hade inte samma magnitud. Det var nästan en chock för dem att se hur gigantiskt det hade blivit.
Och allt detta föddes ur en enkel handling: gitarrsträngar, ett plektrum, några fingernaglar, en röst. Dessa små, intima gester förvandlades till något otroligt inflytelserikt inom handel och populärkultur.
Så, arvet, ja...
James Mangold: Det bekräftade bara en sak: han är en gåta, ett mysterium. Men i verkligheten var han bara en man som satt vid ett bord med en kopp kaffe och svarade på banala frågor: "Vem kallade dig Bob? Vem kallade dig Bobby?" eller "När du skrev, var det i din säng eller vid ett skrivbord? Vilken tid på dagen?"
Jag hade alla dessa enkla frågor i huvudet, som biograferna kanske inte skulle ha ställt. Och samtidigt fick jag hans intryck av manuset som Jay och jag hade skrivit, hans kommentarer. Det som slog mig var att han gav mig ett mycket ärligt perspektiv. Han berättade till exempel att hans beslut att bli elektrisk inte var ett försök att revolutionera kulturen eller uppfylla en förväntan. Det var helt enkelt en önskan om att inte vara ensam på scenen, att samarbeta med andra musiker som han beundrade, som Buddy Holly, Little Richard eller Hank Williams.
Han var inte medveten om att han befann sig på toppen av ett avgörande kulturellt ögonblick. Han levde bara i det ögonblicket. Och det påminde mig om en universell sanning: vi vet inte alltid när vi upplever stora vändpunkter i våra liv. Det är först i efterhand som vi inser det.
Denna ödmjukhet var mycket inspirerande för mig. Alltför ofta försöker vi förklara allt, hitta svar som rättfärdigar vårt beteende. Men om vi tillämpade denna analys på oss själva skulle vi alla vara gåtor. Varför åt du det till frukost i dag och inte i går? Ibland finns det inget svar.
Folk kallar Bob Dylan för ett mysterium, men han är en man som har skrivit 55 originalalbum, sånger om kärlek, filosofi, politik och mänskliga relationer. Kan en sådan artist verkligen anklagas för att vara ett "mysterium"? Hur mycket måste man skapa för att folk ska säga att "nu räcker det"? Eller är det så att ju mer man skapar, desto fler frågor ställs, och om man inte svarar på dem blir man stämplad?
För mig var det jag tog med mig från vårt möte att Bob Dylan framför allt är en människa. Han har levt ett liv, känt grundläggande känslor som ensamhet, tvivel och förvirring. Och det frigjorde mig som regissör i mitt sätt att regissera skådespelarna. Jag gjorde inte en dokumentär om undertecknandet av Magna Carta eller självständighetsförklaringen. Jag berättade en historia om konstnärer, deras relationer, deras svartsjuka, deras kärlek och deras konflikter. Det var det som skådespelarna kunde arbeta med, och det var otroligt användbart.
Timothée Chalamet: Ett "före", när det gäller min passion för eller förståelse av Bob Dylan? Hmm, jag vet inte vad som var svårast. Jag måste säga att å ena sidan var rock'n'roll-låtar från 64 och 65 mer bekanta för mig innan filmen började, till skillnad från folkmusik. Men när vi väl började arbeta med den var det i folkmusiken som jag fann den största friheten!
När man spelar gitarr ensam kan man verkligen hitta sin egen rytm, sina egna ögonblick. Men med rock'n'roll-låtar som "Like a Rolling Stone", som är så djupt rotade i den amerikanska fantasin, är man nästan fångad i en fälla, eftersom de redan är så ikoniska.
När det gäller före och efter, ja, absolut. Jag pratade mycket om det i USA. Jag växte upp med mainstream-musik: hiphop, pop, vad som än fanns på iTunes vid den tidpunkten. Men efter den här filmen, och tack vare Bob Dylan, upptäckte jag ikoniska artister som Rolling Stones och The Beatles. Dessa upptäckter var inte begränsade till de mest kända låtarna, de öppnade också upp mig för rörelser som Nouvelle Vague i Frankrike.
Även om det verkar annorlunda än den amerikanska musiken på 60-talet, fanns det samma önskan om konstnärlig omvandling i Frankrike vid den tiden. Det är fascinerande att se hur dessa attityder sammanstrålar.
Jag tror att det är viktigt att påminna unga människor, de som är 18 eller 25 år, om att det inte bara är en fråga om musikalisk utbildning, utan ett sätt att förstå var vi befinner oss i dag. Denna öppenhet är viktig, särskilt i en tid då det ibland verkar svårt att få alla att gå framåt tillsammans, med otålighet men också med hopp.
Timothée Chalamet: Ärligt talat, jag har inget bra svar på det, jag svär! Det är verkligen svårt att säga. Men jag skulle säga att det fanns en viss frihet, och samtidigt var en av de största utmaningarna bristen på material om just den perioden i hans liv.
Det finns en enorm mängd visuellt material, dokumentärer och musik om Bob Dylan från 1963, 1964 och 1965. Men filmen börjar 1961-1962, en period då det finns väldigt lite innehåll om honom. Det finns knappt några videor på Internet och den musik som finns tillgänglig är ofta begränsad till demos.
Väldigt få av dessa demos producerades, vilket gav mig större frihet att utforska den här perioden. Men paradoxalt nog är det också en period som till och med historiker och inbitna Bob Dylan-fans vet mindre om. Det finns mycket färre kända historier eller detaljer om de här åren, vilket gjorde tolkningen både fascinerande och komplex.
Edward Norton: Jag hade redan fått lite av en grund genom min cirkusträning, som inkluderade lite klassisk banjo. Men du vet, den franska klassiska banjon är inte samma sak som folkbanjon. Det var lite av en omställning.
Men ärligt talat var musik aldrig en utmaning. Det var en glädje. Musik är den största gåvan en regissör kan ge dig. När någon säger till dig: "Kom, arbeta och spela den här musiken", är det bara en dröm som går i uppfyllelse.
Monica Barbaro: Ja, jag skulle säga att det var, som Edward sa, den största gåvan genom tiderna. Att kunna betrakta det som en hel dags arbete att sätta sig ner, lära sig spela gitarr och sjunga, dag efter dag, i flera månader, var otroligt. Jag känner mig verkligen lyckligt lottad som har haft tillgång till några extraordinära coacher som har stöttat mig i den här processen.
Men ja, det var också extremt svårt, främst för att jag beundrar Joan så mycket. Hon är en otrolig musiker, och många människor delar den respekt och beundran som jag har för henne. Så att försöka komma nära hennes sound, hennes musikalitet, var skrämmande. Det var en ganska läskig utmaning att ta sig an.
Men å andra sidan var det också tidernas största gåva. Och nu kan jag spela gitarr, eller hur? Så det är en seger i sig.
Timothée Chalamet: Jag skulle uppriktigt säga att det är en kollektiv stolthet, inte bara en personlig. Det är en verklig källa till stolthet för oss alla här, och även för Elle Fanning, som inte är här i dag. Vi levde oss helt in i 60-talets värld. Vi gav allt vi hade för den här filmen.
När jag säger att vi satsade allt menar jag att vi lade alla våra moderna vanor åt sidan - telefonerna, dagens distraktioner - för att helt och hållet leva oss in i den tiden. Edward var en stark försvarare av Pete Seeger, enligt honom var det inte "Bob Dylan-filmen". Monica å sin sida spelade Joan Baez med samma mentalitet, att försvara sin karaktär med passion och lojalitet.
Det var en av mina farhågor: att den här filmen skulle bli ännu en klassisk Hollywood-biopic, lite "formaterad", som så många andra vi har sett på senare tid. Bob Dylan är en karaktär som förtjänar att göras rättvisa, att närma sig med djup respekt, oklanderlig rollbesättning och totalt engagemang. Vi gjorde det till 150%. Det är inte bara en film om Bob Dylan, det är en film som utforskar en hel era, 60-talet. Som jag sa fanns det en ny våg i Frankrike, och i USA var det en musikalisk rörelse, en kulturell omvälvning.
Vad gäller rädsla, nej, jag känner ingen. Ärligt talat känner jag mig mindre och mindre orolig. Jag närmar mig 30, och det här livet - den här karriären jag har valt - är så märkligt att det vore dumt att ge sig in i det med några rädslor. Det är ett märkligt liv att välja att leva under världens blickar, men det är ett liv där man måste gå framåt utan rädsla.
Timothée Chalamet: Mitt svar är kort: nej, jag fick aldrig möjlighet att träffa honom. Jag skulle naturligtvis ha velat det, men jag hade också stor respekt för honom. Som du kan se i filmen är han en ganska mystisk person.
Jag insåg att det kanske inte skulle bli lätt att få till stånd detta möte. Jag skulle ha älskat att träffa honom och det gör jag fortfarande, men min önskan att träffa honom personligen har aldrig vägt tyngre än min respekt för honom. Jag förstår också att han inte är någon som särskilt gillar att visa upp sig, avslöja sig offentligt eller skaffa nya vänner på 83.
James Mangold: Ah, konstnärlig frihet... Tja, den här filmen, liksom Walk the Line, är inte den enda där jag arbetar med verkliga karaktärer. Även i Le Mans 66 eller A Stolen Life berättar vi historier som är inspirerade av verkliga händelser. Vissa kallar dem "biopics ", andra "racerbilsfilmer ", när de i själva verket alltid är biografiska historier berättade ur olika vinklar.
Det viktiga är att hitta sanningen. Men det finns ingen enskild sanning. Även med Bob Dylan kommer varje person att ha sitt eget perspektiv på vad som hände. Som regissör kan jag inte spela in tre versioner av en scen; jag måste välja en och hålla mig till den.
När det gäller den konstnärliga friheten var Dylan inte där för att säga: "Det här är vad som verkligen hände, men gör det på ett annat sätt." Han förstod att hela projektet var något helt annat än att bara transkribera fakta. Vi var inte ute efter att göra ett Wikipedia-inlägg, en tidslinje eller en serie undertexter med datum. Vårt mål var att fånga en känsla, en emotion.
Böcker kan dokumentera fakta. Diskografier arkiverar musik. Dokumentärer visar verkliga bilder av vad som hände. Men vår film var tvungen att fånga det som inget av dessa format kan: vad som hände i rummen där det inte fanns några kameror, vad karaktärerna kände i avskildhet i sina egna hem, långt från omvärlden.
För en dokumentär, låt oss vara ärliga, är inte en fångst av verkligheten, utan en representation av den verkligheten i närvaro av en kamera. Och vad Dylan har gett mig är en mycket ärlig redogörelse för vad han kände vid den tidpunkten. Det var inte så mycket vad som hände som intresserade mig, utan hur han upplevde det.
En sak som stod ut för mig, och som jag delade med Timothée och införlivade i manuset, var när Dylan berättade för mig om sin önskan att ha ett band. Ordet han använde flera gånger var "ensamhet". Han beskrev för mig hur det var att vara soloartist, och det var mäktigt.
Det handlade inte om en önskan att revolutionera kulturen eller ändra populärmusikens inriktning. Det var ett grundläggande behov: att inte längre känna sig ensam på scenen. Han såg Johnny Cash och Tennessee Three och sa till sig själv: "De har roligt och jag är alldeles ensam.
Dessa primära känslor, som ensamhet eller längtan efter kontakt, är grundläggande element som jag alltid försöker fånga som regissör och manusförfattare. För en skådespelare är det mycket mer påtagligt att spela behovet av kontakt än att spela en önskan att förändra den kulturella modellen för populärmusik.
Och jag tror att mycket av det vi gör i våra liv drivs av dessa primära känslor. Dylan gav mig värdefull insikt i den känslomässiga verkligheten under den perioden av hans liv, och det var ovärderligt.
Timothée Chalamet: Ja, jag tror att det finns nostalgi. Och om denna nostalgi existerar så beror det på att unga konstnärer som Bob Dylan, Joan Baez, Pete Seeger eller tänkare som James Baldwin på 60-talet inte hade några föregångare. Det fanns en verklig optimism, en idé om att människor och saker kunde förändras och att konsten kunde ha en betydande politisk eller kulturell inverkan.
Jag tror att det är annorlunda idag. Jag tror att det finns mycket mer cynism. Den yngre generationen - oavsett om det är i USA, Frankrike eller någon annanstans i världen - står inför hinder som kanske är ännu mer intensiva än de som fanns på 1960-talet. Om man tänker på miljöfrågorna eller de politiska kriser som du nämnde, så är dessa utmaningar enorma.
Det skulle vara otroligt att se en figur som Bob Dylan framträda idag. Men även på den nivån tror jag att det finns en viss cynism. Om någon till exempel kom ut med en mycket kritisk eller engagerad sång eller film skulle det kunna uppfattas som att han eller hon var återhämtad eller "corporate". Den typen av attityd gör det ännu svårare att övervinna de hinder som finns idag.
Tack för att ni tog er tid.
A Perfect Stranger är inte bara en biopic om Bob Dylan. Det är en livfull hyllning till en tid då musik var ett medel för förändring, som väcks till liv av ett team passionerade skådespelare och tekniker. Chalamet, Norton, Barbaro och Mangold förmedlar den tidens själ och Dylans bestående inverkan på konst och kultur.
Filmen, som visas på biograferna från och med den 29 januari 2025, utlovar en känslomässig och reflekterande inlevelse. En upplevelse som du inte får missa, oavsett om du är ett Dylan-fan eller bara nyfiken på att upptäcka sextiotalets anda.
Datum och tidtabeller
Den 16 januari 2025
Plats
Le Bristol Paris
112 Rue du Faubourg Saint-Honoré
75008 Paris 8
