Exposición La vestimenta del artista en el Museo Bourdelle: lo que la ropa dice sobre los grandes artistas - nuestras fotos

Todo empieza en un armario del Museo Bourdelle... En 2020, varias prendas de Antoine Bourdelle, entre ellas sus vestimentas de trabajo, vuelven a salir a la superficie en el antiguo apartamento de su hija Rodhia. Este hallazgo da lugar a La tela del artista, una exposición que se presenta en el 15.º distrito de París del 23 de septiembre de 2026 al 24 de enero de 2027. Durante cinco años, los comisarios exploran archivos, colecciones públicas y fondos privados para entender cómo los artistas, desde finales del siglo XIX hasta mediados del XX, utilizaron sus prendas para trabajar, destacarse y forjar su imagen. El resultado pone en diálogo más de 50 piezas textiles, accesorios y objetos usados con 50 fotografías, 33 pinturas, 12 dibujos y 9 esculturas.

Aquí, la ropa nunca es solo un trozo de tela. Un traje de académico, una bata de taller, un gabán raído, un mono, un atuendo folklórico o una silueta intencionalmente extravagante: cada prenda cuenta una posición social, una forma de trabajar y una idea particular del artista. A fines del siglo XIX, algunos siguen reclamando su filiación con los maestros antiguos, mientras otros cambian la vestimenta respetable por la blusa de la fábrica o el aspecto deshilachado del bohemio.

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A principios del siglo XX, la ropa toma la palabra con claridad. Se convierte en un manifiesto político, en un prolongamiento de la acción creativa, en una afirmación cultural o en un laboratorio de experimentación de género. Los artistas ya no se limitan a elegir sus prendas: componen una silueta, pulen una firma y, a veces, cosen ellos mismos su propia leyenda.

El recorrido se organiza en torno a once secciones cronotemáticas:

• Heredar y reconocerse: houppelandes inspiradas en el Renacimiento hasta el traje de académico bordado con hojas de olivo, la prenda marca la filiación y el éxito. Las rosetas de la Legión de Honor de Antoine Bourdelle y de Rosa Bonheur, así como la jaquette con galones de esta última, recuerdan el peso de las distinciones oficiales.

• Hacer al artista : sombrero blando, corbata lavallière y abrigo deshilachado alimentan el mito del creador bohemio. Forjado por Henri Murger en Escenas de la vida bohemia, esta image del marginado «rapin» se difunde ampliamente por la prensa y la caricatura, incluso cuando pintores como Édouard Manet prefieren un traje negro, perfectamente respetable.

• Protegerse y Tomar prestado : los artistas se inspiran en atuendos campesinos, obreros y artesanales. La blusa de lino índigo bordada por Gustav Klimt, la prenda diseñada por Bourdelle, el mandil de carpintero, el overol o el mono cuentan una nueva relación con el trabajo manual. Suzanne Bizard, Marguerite Huré, Ossip Zadkine, Constantin Brancusi o Pierre Soulages también adoptan estas prendas prácticas.

• Partir : El ferrocarril facilita los desplazamientos hacia Bretaña y Pont-Aven, donde los chalecos bordados se convierten en un rechazo muy visible de la moda parisina. El itinerario también aborda las apropiaciones vestimentarias vinculadas al orientalismo colonial, así como las prendas místicas de los Nabis Paul Ranson, Paul Sérusier y Jan Verkade.

• Desdibujar los géneros : Louise Abbéma, Ottilie Roederstein, Romaine Brooks o Marie Laurencin desdibujan las normas de la vestimenta masculina, entre trajes, corbatas, laos-pajarita y pelo corto. Claude Cahun construye siluetas deliberadamente indeterminadas, mientras que Marcel Duchamp crea su alter ego Rrose Sélavy. La vestimenta masculina de Anton Prinner se presenta, por su parte, como la afirmación de su cambio de sexo.

• Distinguirse y reencontrarse: en los círculos dadá y surrealistas, la excentricidad se convierte casi en una profesión. Léonor Fini despliega máscaras y disfraces, Foujita forja una presencia de inmediato identificable y Salvador Dalí transforma sus bigotes en firma. Otros artistas reivindican o recomponen sus raíces, como Alfons Mucha, Frida Kahlo, Baya o Foujita, entre camisas de estilo esclavo, trajes Tehuana, prendas kabyle y textiles japoneses.

• Transformar la realidad y sustituirse : los futuristas italianos, con Giacomo Balla a la cabeza, imaginan trajes coloridos capaces de acompañar una revolución social y estética. Thayaht inventa la Tuta, Varvara Stepanova la prozodezhda, mientras que Sonia Delaunay viste a la élite parisina con sus « telas simultáneas ». Después de 1945, la prenda se convierte a veces en obra o material: el traje de fieltro de Joseph Beuys y las camisas integradas a los tapices de Josep Grau-Garriga terminan casi por sustituir el cuerpo del artista.

Fruto de cinco años de investigaciones, la exposición se beneficia de préstamos del musée d’Orsay, del musée des Arts décoratifs, del Musée d’Art moderne de Paris, del Palais Galliera, de la maison-atelier Foujita, del Wien Museum, del Städel Museum y de numerosas colecciones privadas. Casi una cuarta parte de los artistas representados son mujeres.

La última parte recuerda cuánto algunos trajes y accesorios han acabado por sustituir las caras en el imaginario colectivo. La camiseta de rayas marineras de Picasso, las gafas de Le Corbusier, el peinado de Foujita o el bigote de Dalí bastan para hacer surgir a su propietario. La tela del artista muestra así que el autorretrato no se pinta solo sobre un lienzo: también se talla, se borda y se lleva puesto.

Presentada en el Museo Bourdelle, la exposición está abierta de martes a domingo, de 10:00 a 18:00, con la última entrada a las 17:15. La entrada tiene un precio de 12 euros en tarifa normal y 10 euros en tarifa reducida; el acceso a las colecciones permanentes continúa siendo gratuito.

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