Dette ambisiøse prosjektet, som i sin helhet fokuserer på de avgjørende årene i Dylans karriere, tar oss med inn i hjertet av 1960-tallet, en periode preget av kulturelle og politiske omveltninger. Her er et sammendrag av høydepunktene og synspunktene som skuespillerne og regissøren ga uttrykk for under arrangementet.
Timothée Chalamet, som spiller Bob Dylan: Jeg ble kontaktet med dette prosjektet i 2018 eller 2019. Det er ærlig talt en million grunner, om ikke en milliard, til at jeg ble tiltrukket av dette prosjektet. Den første var at karrieren min på det tidspunktet var i ferd med å ta av, og jeg fikk tilsendt materialet til denne filmen. Før jeg i det hele tatt hørte på musikken hans, så jeg de første intervjuene hans på YouTube.
Han hadde en ganske konfronterende og mystisk holdning, på en måte som er helt uvanlig i intervjuer i dag. Hvis jeg for eksempel svarte på spørsmålet ditt på Dylans måte, ville det blitt rart, det ville ikke blitt noen reell samtale. Så det var hans karakter og disse intervjuene som tiltrakk meg i første omgang.
Og så er det selvfølgelig musikken og alt han representerte på 60-tallet. Han var ikke bare en stor skikkelse i USA, men også i Frankrike, Japan og over hele verden!
Etter fem og et halvt års arbeid med denne filmen kan jeg si at dette er den rollen og det prosjektet som har hatt størst personlig innvirkning på meg i alt jeg har gjort så langt. Jeg er stolt av alle filmene mine, men denne har hatt en unik innvirkning på meg.
Edward Norton, som spiller Pete Seeger: Jeg tror det virkelige beviset på Dylans betydning ligger i en av hans berømte setninger: "I contain multitudes". Verket hans er enormt, det spenner over flere tiår, og det utvikler seg i takt med våre egne liv. I visse øyeblikk får visse aspekter av det han gjorde en spesiell betydning for oss, og senere blir vi knyttet til andre dimensjoner av hans arbeid.
Arven hans går langt utover musikken: Den omfatter så mange faser, aspekter og dimensjoner av livet - det være seg politisk, følelsesmessig eller noe annet. Det er en enorm jobb. Og jeg tror det er denne dybden og dette mangfoldet som gjør hans kreativitet så varig og så omfattende.
Vi snakket også mye om hvor inspirerende han er som kunstner. Det som særlig imponerer meg, er hans innbitte forsvar for kunsten sin. Han fulgte sine kreative impulser med voldsom besluttsomhet, og bekymret seg aldri for kommersielle resultater eller offentlig godkjenning. Det er en veldig sterk tilnærming som er vanskelig å etterligne, men som er uvurderlig som referanse.
Jeg tror også at han hadde en dyp filosofisk visdom fra tidlig alder. Han snakket svært lite om verkene sine, og når han ble bedt om å forklare betydningen av dem, sa han ofte: "Jeg kommer ikke til å forklare hva det betyr. Du må selv avgjøre hva det betyr." Han hadde en intuitiv forståelse av at kraften i kunsten hans lå i den personlige tolkningen som hver enkelt person kunne gjøre av den.
Ta for eksempel sangen "Boots of Spanish Leather". Hvis han bare hadde sagt at den handlet om kjæresten Sylvie som skulle til Spania, ville sangen ha mistet sin allmenngyldighet. Det er alt den kunne ha vært. Men ved ikke å forklare det, lar han sangen resonnere forskjellig for hver person, avhengig av deres egen erfaring.
Etter hvert som tiden går, lurer jeg mer og mer på hvorfor vi har denne tendensen til å ville dissekere et verk før vi i det hele tatt har gitt det tid til å bli fullt ut verdsatt. Det er noe jeg tenker mye på.
Monica Barbaro,Joan Baez: Vel, jeg kjente til arbeidet hans, men jeg kan ikke si at jeg var noen stor Dylan-fan. Jeg var ingen fan, langt ifra. Det denne historien betyr for meg, og det jeg har elsket, er å se de ulike reaksjonene på denne filmen.
Jeg har sett to personer komme ut fra samme visning med helt motsatte meninger. For eksempel var moren min i tårer etter å ha sett filmen. Hun kunne ikke slutte å snakke om The TimesThey Are A-Changin'. Jeg kjente at hun satt ved siden av meg, dypt rørt, nesten kvelende av følelser. Hun sa at det var helt nødvendig at tidene forandrer seg, at dette stemte godt overens med hennes interesse for evolusjon og ideen om at generasjoner ikke kan holde fast ved sin egen diskurs i det uendelige.
På den annen side fortalte faren til en venn av meg at for ham gjenspeilte denne filmen musikkens gullalder, den beste perioden i musikkhistorien. Han mente at vi aldri burde ha beveget oss bort fra den eller forsøkt å forandre ting.
Jeg synes det er fascinerende at hver person har en så unik tolkning av filmen. Det avhenger helt og holdent av deres eget forhold til musikk, kunst og den aktuelle perioden, enten de har opplevd den eller ikke.
For meg var det som slo meg mest med filmen, måten den omfavnet en kunstners utvikling, viste hvordan den ser ut, og presenterte de mange perspektivene som er mulige. Hver karakter i filmen har sitt eget forhold til Bob Dylan, en unik reaksjon på arven etter ham, og filmen gjenspeiler dette mangfoldet av tolkninger på en perfekt måte.
James Mangold er en strålende regissør. Han tvinger aldri en bestemt mening på sitt publikum. Han lar alle få ha sin egen opplevelse av filmen og av Bob Dylan. Det synes jeg er fascinerende. Dylan betyr så mange ting for så mange mennesker, og det slående er at det ikke finnes noen fast sammenheng.
Og jeg tror Dylan selv ville vært glad for å legemliggjøre denne ideen, denne friheten til ikke å påtvinge oss en bestemt måte å føle på når det gjelder verket hans. Denne filmen gjenspeiler den filosofien, og jeg beundrer ham dypt for det.
James Mangold, regissør : Å, ja. Mange spørsmål! Larven på teppet... (ler). Så, arv. Det er et begrep jeg tenker mye på, og det samme gjør mine samarbeidspartnere, som også er Dylan-fans. Men for å være ærlig var det egentlig ikke noe jeg tenkte på da jeg laget filmen.
Filmen slutter i 1965. På det tidspunktet var ingen av karakterene klar over noen "arv". Jeg er ikke engang sikker på at de hadde en klar oppfatning av hvilke dogmer eller prinsipper de skulle utvikle i sine respektive karrierer. Kanskje Pete hadde det, men jeg tviler på at Bob hadde en ferdig utformet kunstnerisk filosofi på den tiden.
Mitt hovedmål, enten jeg skrev, regisserte eller samarbeidet med disse talentene, var å forankre oss i det øyeblikket, i det det representerte på den tiden. Ikke i måten vi tolker disse hendelsene på 25, 35 eller 50 år senere.
Ingen vet når de synger en sang for første gang at den kommer til å bli et ikon. Ingen vet at den kommer til å bli et kulturelt landemerke. Ordet "ikon" er en veldig moderne, post-internett-aktig måte å referere til nesten hva som helst på. På den tiden var Bob Dylan bare en sanger og låtskriver, men det var tydelig at han var knyttet til noe dyptgripende og mektig.
Og jeg tror han var klar over det selv, på et eller annet nivå. Alt jeg prøvde å gjøre, spesielt for Timothée, men også for hele teamet, var å konsentrere meg om akkurat det øyeblikket, om de mellommenneskelige relasjonene. Det som skjedde på den tiden, hadde ikke samme omfang. Det var nesten et sjokk for dem å se hvor gigantisk det hadde blitt.
Og det hele startet med en enkel handling: gitarstrenger, et plekter, noen fingernegler, en stemme. Disse små, intime gestene ble forvandlet til noe utrolig innflytelsesrikt i forhold til handel og populærkultur.
Så, arven, ja...
James Mangold: Det bekreftet bare én ting: Han er en gåte, et mysterium. Men i virkeligheten var han bare en mann som satt ved et bord med en kopp kaffe og svarte på banale spørsmål: "Hvem kalte deg Bob? Hvem kalte deg Bobby?" eller "Når du skrev, var det på sengen eller ved et skrivebord? Når på dagen?"
Jeg hadde alle disse enkle spørsmålene i hodet, som biografene kanskje ikke ville ha stilt. Samtidig fikk jeg hans inntrykk av manuset som Jay og jeg hadde skrevet, og hans kommentarer. Det som slo meg, var at han ga meg et veldig ærlig perspektiv. Han fortalte meg for eksempel at hans beslutning om å velge elektrisk ikke var et forsøk på å revolusjonere kulturen eller innfri en forventning. Det var rett og slett et ønske om ikke å være alene på scenen, om å samarbeide med andre musikere han beundret, som Buddy Holly, Little Richard eller Hank Williams.
Han var ikke klar over at han befant seg på toppen av et avgjørende kulturelt øyeblikk. Han levde bare i det øyeblikket. Og det minnet meg om en universell sannhet: Vi vet ikke alltid når vi opplever store vendepunkter i livene våre. Det er først i ettertid at vi innser det.
Denne ydmykheten var veldig inspirerende for meg. Altfor ofte prøver vi å forklare alt, å finne svar for å rettferdiggjøre atferden vår. Men hvis vi anvendte denne analysen på oss selv, ville vi alle være gåter. Hvorfor spiste du det til frokost i dag og ikke i går? Noen ganger finnes det ikke noe svar.
Folk kaller Bob Dylan et mysterium, men han er en mann som har skrevet 55 originale album, sanger om kjærlighet, filosofi, politikk og menneskelige relasjoner. Kan en slik artist virkelig beskyldes for å være et "mysterium"? Hvor mye må man skape for at folk skal si at "nå er det nok"? Eller er det slik at jo mer man skaper, jo flere spørsmål stiller man, og hvis man ikke svarer på de spørsmålene, blir man stemplet?
For meg var det jeg tok med meg fra møtet vårt at Bob Dylan først og fremst er et menneske. Han har levd et liv, følt grunnleggende følelser som ensomhet, tvil og forvirring. Og det frigjorde meg som regissør i måten jeg regisserte skuespillerne på. Jeg laget ikke en dokumentarfilm om signeringen av Magna Carta eller uavhengighetserklæringen. Jeg fortalte en historie om kunstnere, deres forhold, sjalusi, kjærlighet og konflikter. Det var det skuespillerne kunne jobbe med, og det var utrolig nyttig.
Timothée Chalamet: Et "før", når det gjelder min lidenskap for eller forståelse av Bob Dylan? Hmm, jeg vet ikke hva som var vanskeligst. På den ene siden må jeg si at rock'n'roll-låter fra '64 og '65 var mer kjent for meg før filmen startet, i motsetning til folkemusikk. Men da vi først begynte å jobbe med den, var det i folkemusikken jeg fant mest frihet!
Når du spiller gitar alene, kan du virkelig finne din egen rytme, dine egne øyeblikk. Men med rock'n'roll-låter som "Like a Rolling Stone", som er så dypt forankret i den amerikanske fantasien, er du nesten fanget, fordi de allerede er så ikoniske.
Når det gjelder før og etter, ja, absolutt. Jeg snakket mye om det i USA. Jeg vokste opp med mainstream-musikk: hip-hop, pop, alt som fantes på iTunes på den tiden. Men etter denne filmen, og takket være Bob Dylan, oppdaget jeg ikoniske artister som The Rolling Stones og The Beatles. Disse oppdagelsene begrenset seg ikke bare til de mest kjente låtene, de åpnet meg også for bevegelser som Nouvelle Vague i Frankrike.
Selv om det virker annerledes enn den amerikanske musikken på 60-tallet, var det det samme ønsket om kunstnerisk transformasjon i Frankrike på den tiden. Det er fascinerende å se hvordan disse holdningene konvergerer.
Jeg tror det er viktig å minne unge mennesker, de som er 18 eller 25 år, om at det ikke bare er et spørsmål om musikalsk utdannelse, men en måte å forstå hvor vi befinner oss i dag. Denne åpenheten er viktig, spesielt i en tid hvor det noen ganger virker vanskelig å få alle til å gå videre sammen, med utålmodighet, men også med håp.
Timothée Chalamet: Ærlig talt, jeg har ikke noe godt svar på det, jeg sverger! Det er veldig vanskelig å si. Men jeg vil si at det var en viss frihet, samtidig som en av de største utfordringene var mangelen på materiale om akkurat den perioden i livet hans.
Det finnes en enorm mengde visuelt materiale, dokumentarer og musikk om Bob Dylan fra 1963, 1964 og 1965. Men filmen begynner i 1961-1962, en periode da det finnes svært lite innhold om ham. Det finnes knapt noen videoer på Internett, og musikken som er tilgjengelig, er ofte begrenset til demoer.
Svært få av disse demoene ble produsert, noe som ga meg større frihet til å utforske denne perioden. Men paradoksalt nok er det også en periode som selv historikere og innbitte Bob Dylan-fans vet mindre om. Det finnes langt færre kjente historier eller detaljer om disse årene, noe som gjorde tolkningen både fascinerende og kompleks.
Edward Norton: Vel, jeg hadde allerede et visst grunnlag fra sirkustreningen min, som inkluderte litt klassisk banjo. Men du vet, den franske klassiske banjoen er ikke den samme som den folkelige banjoen. Det var litt av en omstilling.
Men for å være ærlig var musikk aldri en utfordring. Det var en glede. Musikk er den største gaven en regissør kan gi deg. Når noen sier til deg: "Kom, jobb og spill denne musikken", er det bare en drøm som går i oppfyllelse.
Monica Barbaro: Ja, jeg vil si at det var, som Edward sa, tidenes største gave. Det å kunne se på det å sette seg ned, lære seg gitar og synge, dag etter dag, i flere måneder, som en hel dags arbeid, var utrolig. Jeg føler meg veldig heldig som har hatt tilgang til noen ekstraordinære coacher som har støttet meg i denne prosessen.
Men ja, det var også ekstremt vanskelig, hovedsakelig fordi jeg beundrer Joan så mye. Hun er en utrolig musiker, og det er mange som deler den respekten og beundringen jeg har for henne. Så det var skremmende å prøve å nærme seg hennes sound, hennes musikalitet. Det var en ganske skummel utfordring å ta på seg.
Men det var også tidenes største gave. Og nå kan jeg spille gitar, ikke sant? Så det er en seier i seg selv.
Timothée Chalamet: Jeg vil oppriktig si at det er en kollektiv stolthet, ikke bare en personlig stolthet. Det er en virkelig kilde til stolthet for oss alle her, og også for Elle Fanning, som ikke er her i dag. Vi levde oss helt inn i 60-tallets verden. Vi ga alt vi hadde for denne filmen.
Når jeg sier at vi gikk all out, mener jeg at vi la alle våre moderne vaner til side - telefonene, dagens distraksjoner - for å leve oss helt inn i den tiden. Edward var en innbitt forsvarer av Pete Seeger, i hans hode var det ikke "Bob Dylan-filmen". Monica på sin side spilte Joan Baez med den samme mentaliteten, nemlig å forsvare karakteren hennes med lidenskap og lojalitet.
Det var noe av det jeg fryktet: at denne filmen skulle bli nok en klassisk Hollywood-biopic, litt "formatert", som så mange vi har sett i det siste. Bob Dylan er en karakter som fortjener å bli gjort rettferdighet, å bli tilnærmet med dyp respekt, upåklagelig rollebesetning og total involvering. Vi gjorde det, 150 prosent. Det er ikke bare en film om Bob Dylan, det er en film som utforsker en hel epoke, nemlig 60-tallet. Som jeg sa, det var en ny bølge i Frankrike, og i USA var det en musikalsk bevegelse, en kulturell omveltning.
Når det gjelder frykt, nei, jeg føler ingen. Jeg føler meg faktisk mindre og mindre bekymret. Jeg nærmer meg 30, og dette livet - denne karrieren jeg har valgt - er så underlig at det ville være dumt å gå inn i det med frykt. Det er et merkelig liv å velge å leve under verdens blikk, men det er et liv hvor man må gå videre uten frykt.
Timothée Chalamet: Mitt svar er kort: Nei, jeg fikk aldri muligheten til å møte ham. Jeg skulle selvfølgelig gjerne ha gjort det, men jeg hadde også stor respekt for ham. Som du kan se i filmen, er han en ganske mystisk person.
Jeg innså at det kanskje ikke ville bli så lett å få til dette møtet. Jeg skulle gjerne ha møtt ham, og det gjør jeg fortsatt, men mitt ønske om å treffe ham personlig har aldri veid tyngre enn min respekt for ham. Jeg forstår også at han ikke er en person som liker å vise seg frem, utlevere seg offentlig eller få nye venner på 83 år.
James Mangold: Ah, kunstnerisk frihet... Vel, denne filmen, i likhet med Walk the Line, er ikke den eneste der jeg jobber med virkelige karakterer. Selv i Le Mans 66 eller A Stolen Life forteller vi historier inspirert av virkelige hendelser. Noen kaller dem "biopics ", andre "racerbilfilmer ", mens de i virkeligheten alltid er biografiske historier fortalt fra ulike vinkler.
Det viktige er å finne sannheten. Men det finnes ikke én sannhet. Selv med Bob Dylan vil hver person ha sitt eget perspektiv på det som skjedde. Som regissør kan jeg ikke filme tre versjoner av en scene; jeg må velge én og holde meg til den.
Når det gjelder kunstnerisk frihet, var ikke Dylan der for å si: "Dette er hva som virkelig skjedde, men gjør det på en annen måte." Han forsto at hele prosjektet var noe helt annet enn bare å transkribere fakta. Vi var ikke ute etter å lage en Wikipedia-oppføring, en tidslinje eller en serie undertekster med datoer. Målet vårt var å fange en følelse, en stemning.
Bøker kan dokumentere fakta. Diskografier arkiverer musikk. Dokumentarer viser virkelige bilder av det som skjedde. Men filmen vår måtte fange det ingen av disse formatene kan: det som skjedde i rommene der det ikke fantes kameraer, det som personene følte i sine egne hjem, langt fra omverdenen.
For en dokumentarfilm er ikke en gjengivelse av virkeligheten, men en representasjon av den virkeligheten i nærvær av et kamera. Og det Dylan har gitt meg, er en veldig ærlig beretning om hva han følte på det tidspunktet. Det var ikke så mye hva som skjedde som interesserte meg, men hvordan han opplevde det.
En ting som skilte seg ut for meg, og som jeg delte med Timothée og inkorporerte i manuset, var da Dylan fortalte meg om sitt ønske om å ha et band. Ordet han brukte flere ganger var "ensomhet". Han beskrev for meg hvordan det var å være soloartist, og det var sterkt.
Det var ikke et ønske om å revolusjonere kulturen eller endre populærmusikkens retning. Det var et grunnleggende behov: å ikke lenger føle seg alene på scenen. Når han så Johnny Cash og Tennessee Three, sa han til seg selv: "De har det gøy, og jeg er helt alene.
Disse urfølelsene, som ensomhet eller ønsket om tilknytning, er grunnleggende elementer som jeg alltid forsøker å fange som regissør og manusforfatter. For en skuespiller er det mye mer håndgripelig å spille behovet for tilknytning enn å spille et ønske om å endre den kulturelle modellen for populærmusikk.
Og jeg tror at mye av det vi gjør i livet vårt, er drevet av disse urfølelsene. Dylan ga meg verdifull innsikt i de emosjonelle realitetene i den perioden av livet hans, og det var uvurderlig.
Timothée Chalamet: Ja, jeg tror det finnes nostalgi. Og hvis denne nostalgien eksisterer, er det fordi unge kunstnere som Bob Dylan, Joan Baez, Pete Seeger eller tenkere som James Baldwin ikke hadde noe fortilfelle på 60-tallet. Det fantes en ekte optimisme, en idé om at mennesker og ting kunne forandre seg, og at kunsten kunne ha en betydelig politisk eller kulturell innvirkning.
Jeg tror det er annerledes i dag. Jeg tror det er mye mer kynisme. Den yngre generasjonen - enten det er i USA, Frankrike eller andre steder i verden - står overfor hindringer som kanskje er enda mer intense enn på 1960-tallet. Hvis du tenker på miljøspørsmålene eller de politiske krisene du nevnte, så er disse utfordringene enorme.
Det ville vært utrolig å se en figur som Bob Dylan dukke opp i dag. Men selv på det nivået tror jeg det finnes en viss kynisme. Hvis noen for eksempel kom ut med en veldig kritisk eller engasjert sang eller film, kunne det bli oppfattet som om de var rekupererte eller "korporative". Den typen holdninger gjør det enda vanskeligere å overvinne hindringene i dag.
Takk for at du tok deg tid.
A Perfect Stranger er ikke bare en biopic om Bob Dylan. Det er en levende hyllest til en tid da musikken var et redskap for forandring, brakt til live av et team av lidenskapelige skuespillere og teknikere. Chalamet, Norton, Barbaro og Mangold formidler periodens sjel og Dylans varige innvirkning på kunst og kultur.
Filmen, som vises på kino fra 29. januar 2025, lover en følelsesladet og reflekterende fordypning. En opplevelse du ikke må gå glipp av, enten du er Dylan-fan eller bare nysgjerrig på sekstitallets ånd.
Datoer og timeplaner
Den 16. januar 2025
Plass
Le Bristol Paris
112 Rue du Faubourg Saint-Honoré
75008 Paris 8
