Un Parfait Inconnu : à la rencontre des artistes derrière l'hommage à Bob Dylan

Ce projet, ambitieux et intégralement centré sur les années charnières de la carrière de Dylan, nous plonge au cœur des années 60, une période marquée par des bouleversements culturels et politiques. Voici un résumé des moments forts et des points de vue exprimés par les acteurs et le réalisateur lors de cet événement.

Pour commencer, Bob Dylan est, bien sûr, une légende vivante du monde musical, un artiste vraiment inclassable. Qu'est-ce qui vous fascine chez lui, au point de vouloir l'incarner et de le faire découvrir à une nouvelle génération ?

Timothée Chalamet, qui interprète Bob Dylan : On m'a approché avec ce projet en 2018 ou 2019. Franchement, il y a un million de raisons, voire un milliard, qui m'ont attiré vers ce projet. La première, c'est qu'à l'époque, ma carrière commençait à décoller, et on m'a envoyé le matériel pour ce film. Avant même d'écouter sa musique, j'ai regardé ses premières interviews sur YouTube.

Il avait une attitude assez confrontante et mystérieuse, d'une manière qui est aujourd'hui complètement inhabituelle en interview. Par exemple, si je répondais à la manière de Dylan à ta question, ce serait étrange, il n'y aurait pas de véritable conversation. C'est donc d'abord son personnage et ces interviews qui m'ont attiré.

Ensuite, bien sûr, il y a la musique et tout ce qu'il représentait dans les années 60. Il n'était pas seulement une figure marquante aux États-Unis, mais également en France, au Japon, et partout dans le monde !

Après cinq ans et demi de travail sur ce film, je peux dire que c'est le rôle et le projet qui m'ont le plus marqué personnellement dans tout ce que j'ai fait jusqu'ici. Je suis fier de tous mes films, mais celui-là m'a impacté d'une manière unique.

Et pour vous tous, qu’est-ce que cela représente ? Bob Dylan, je veux dire, quel est son héritage pour vous ? Je sais que c’est une question difficile.

Edward Norton, qui campe Pete Seeger : Vous savez, je pense que le véritable témoignage de l’importance de Dylan réside dans une de ses phrases célèbres : "Je contiens des multitudes". Son œuvre est immense, elle traverse plusieurs décennies, et elle évolue avec notre propre vie. À certains moments, certains aspects de ce qu’il a fait prennent une signification particulière pour nous, et plus tard, on s’attache à d’autres dimensions de son travail.

Son héritage dépasse largement la musique : il englobe tellement de phases, d’aspects et de dimensions de la vie – qu’il s’agisse du politique, de l’émotionnel, ou d’autres choses encore. C’est un travail immense. Et je pense que c’est cette profondeur et cette diversité qui font la durabilité et l’ampleur de sa créativité.

Nous avons aussi beaucoup parlé du fait qu’il représente une source d’inspiration en tant qu’artiste. Ce qui m’impressionne particulièrement, c’est sa défense farouche de son art. Il a suivi ses impulsions créatives avec une détermination féroce, sans jamais se préoccuper des résultats commerciaux ou même de l’approbation du public. C’est une approche très forte et difficile à imiter, mais précieuse comme repère.

Je pense également qu’il avait une sagesse philosophique profonde dès un très jeune âge. Il parlait très peu de ses œuvres, et lorsqu’on lui demandait d’en expliquer le sens, il disait souvent : "Je ne vais pas expliquer ce que cela signifie. Vous devez décider vous-même de ce que cela signifie." Il avait une compréhension intuitive que la puissance de son art résidait dans l’interprétation personnelle que chacun pouvait en faire.

Prenons par exemple la chanson "Boots of Spanish Leather". S’il avait déclaré qu’elle parlait simplement de sa petite amie Sylvie partant en Espagne, alors la chanson aurait perdu son universalité. Elle n’aurait pu être que cela. Mais en ne l’expliquant pas, il permet à cette chanson de résonner différemment pour chaque personne, selon leur propre expérience.

Avec le temps, je me demande de plus en plus pourquoi nous avons cette tendance à vouloir disséquer une œuvre avant même de lui laisser le temps d’être pleinement appréciée. C’est une réflexion qui m’habite beaucoup.

Monica, et pour vous ? Que représentait Bob Dylan pour vous avant ce film ?

Monica Barbaro,Joan Baez : Eh bien, je connaissais son travail, mais je ne peux pas dire que j’étais une grande fan de Dylan. Je n’étais pas une passionnée, loin de là. Ce que cette histoire représente pour moi, et ce que j’ai adoré, c’est observer les différentes réactions à ce film.

J’ai vu deux personnes sortir de la même projection avec des avis totalement opposés. Par exemple, ma mère était en larmes après avoir vu le film. Elle n’arrêtait pas de parler du fait que les temps changent (The Times They Are A-Changin’). Je pouvais la sentir, assise à côté de moi, profondément émue, presque suffoquée par l’émotion. Elle disait qu’il était essentiel que les temps changent, que cela résonnait profondément avec son intérêt pour l’évolution et cette idée que les générations ne peuvent pas s’accrocher indéfiniment à leur propre discours.

Et puis, à l’inverse, le père d’une amie m’a dit que, pour lui, ce film reflétait l’âge d’or de la musique, la meilleure époque de l’histoire musicale. Il pensait qu’on n’aurait jamais dû s’en éloigner ou essayer de changer les choses.

Je trouve fascinant que chaque personne ait une interprétation si unique du film. Cela dépend entièrement de leur propre relation avec la musique, l’art et cette période en particulier, qu’ils l’aient vécue ou non.

Pour moi, ce qui m’a le plus marquée dans ce film, c’est sa manière d’embrasser l’évolution d’un artiste, de montrer à quoi cela ressemble, et de présenter les multiples perspectives possibles. Chaque personnage du film a une relation différente avec Bob Dylan, une réaction unique à son héritage, et cela reflète parfaitement cette diversité d’interprétations.

James Mangold est un réalisateur brillant. Il ne force jamais une opinion particulière sur son public. Il laisse à chacun la liberté de vivre sa propre expérience du film et de Bob Dylan. Je trouve cela fascinant. Dylan représente tellement de choses pour tant de gens, et ce qui est frappant, c’est qu’il n’y a aucune cohérence fixe.

Et je pense que Dylan lui-même serait heureux d’incarner cette idée, cette liberté de ne pas imposer une manière de ressentir ses œuvres. Ce film reflète cette philosophie, et je l’admire profondément pour cela.

James, vous avez passé beaucoup de temps avec Bob Dylan avant la réalisation du film. Parlez-nous un peu de ce que cela a représenté pour vous de le rencontrer, de ce que vous pensez de son héritage, et en lien avec ce que Monica vient de dire. Avez-vous eu l’impression qu’il souhaitait conserver cette fluidité dans la manière dont il serait représenté dans votre film ?

James Mangold, réalisateur : Oh, d’accord. Beaucoup de questions ! La chenille sur le tapis... (rires). Alors, l’héritage. C’est une notion à laquelle je réfléchis beaucoup, tout comme mes collaborateurs qui sont aussi des fans de Dylan. Mais honnêtement, ce n’est pas vraiment quelque chose que j’ai considéré pendant la réalisation du film.

Le film se termine en 1965. À ce moment-là, aucun des personnages n’avait conscience d’un quelconque « héritage ». Je ne suis même pas sûr qu’ils percevaient clairement le dogme ou les principes qu’ils allaient développer dans leurs carrières respectives. Peut-être Pete, oui, mais je doute que Bob ait eu une philosophie artistique pleinement formée à cette époque.

Mon objectif principal, que ce soit en écrivant, en réalisant ou en collaborant avec ces talents, était de nous ancrer dans ce moment précis, dans ce qu’il représentait à l’époque. Pas dans la manière dont nous interprétons ces événements 25, 35 ou 50 ans plus tard.

Personne, au moment où il chante une chanson pour la première fois, ne sait qu’elle deviendra emblématique. Personne ne sait que cela deviendra un repère culturel. Le mot « icône » est une manière très moderne et post-Internet de désigner presque tout et n’importe quoi. À l’époque, Bob Dylan n’était qu’un chanteur et compositeur, mais il était clair qu’il était connecté à quelque chose de profondément puissant.

Et je pense que lui-même en avait conscience, à un certain niveau. Tout ce que j’ai essayé de faire, surtout pour Timothée, mais aussi pour toute l’équipe, c’était de nous concentrer sur cet instant précis, sur ces relations interpersonnelles. Ce qui se passait alors n’avait pas encore cette ampleur. C’était presque un choc pour eux de voir à quel point cela devenait gigantesque.

Et tout cela naissait d’un acte simple : des cordes de guitare, un médiator, quelques ongles, une voix. Ces petits gestes, pourtant si intimes, se transformaient en quelque chose d’incroyablement influent face au commerce et à la culture populaire.

Donc, l’héritage, oui...

Et rencontrer Bob Dylan, passer du temps avec lui ?

James Mangold : Cela n’a fait que confirmer une chose : c’est un énigme, un mystère. Mais en réalité, c’était juste un homme assis à une table avec une tasse de café, répondant à des questions banales : « Qui vous appelait Bob ? Qui vous appelait Bobby ? » ou « Quand vous écriviez, c’était sur votre lit ou à un bureau ? À quelle heure de la journée ? »

J’avais toutes ces questions simples en tête, que peut-être les biographes n’auraient pas posées. Et en même temps, je recevais ses impressions sur le scénario que Jay et moi avions écrit, ses commentaires. Ce qui m’a marqué, c’est qu’il m’a donné une perspective très honnête. Par exemple, il m’a dit que sa décision de passer à l’électrique n’était pas une tentative de révolutionner la culture ou de répondre à une attente. C’était simplement un désir de ne plus être seul sur scène, de collaborer avec d’autres musiciens qu’il admirait, comme Buddy Holly, Little Richard ou Hank Williams.

Il n’avait pas conscience d’être au sommet d’un moment culturel charnière. Il vivait juste ce moment. Et cela m’a rappelé une vérité universelle : nous ne savons pas toujours quand nous vivons des tournants majeurs de notre vie. C’est seulement avec le recul qu’on s’en rend compte.

Cette humilité était très inspirante pour moi. Trop souvent, nous cherchons à tout expliquer, à trouver des réponses pour justifier un comportement. Mais si nous appliquions cette analyse à nous-mêmes, nous serions tous des énigmes. Pourquoi avez-vous mangé cela au petit-déjeuner aujourd’hui et pas hier ? Parfois, il n’y a pas de réponse.

On qualifie Bob Dylan de mystère, mais c’est un homme qui a écrit 55 albums originaux, des chansons sur l’amour, la philosophie, la politique et les relations humaines. Peut-on vraiment accuser un tel artiste d’être un « mystère » ? Combien faut-il créer pour que les gens disent « c’est suffisant » ? Ou est-ce que plus vous créez, plus vous posez de questions, et si vous ne répondez pas à ces questions, on vous colle une étiquette ?

Pour moi, ce que j’ai retenu de notre rencontre, c’est que Bob Dylan est avant tout un homme. Il a vécu une vie, ressenti des émotions primaires comme la solitude, le doute ou la confusion. Et cela m’a libéré, en tant que réalisateur, dans ma manière de diriger les acteurs. Je ne faisais pas un documentaire sur la signature de la Magna Carta ou la Déclaration d’Indépendance. Je racontais une histoire d’artistes, de leurs relations, de leurs jalousies, de leurs amours et de leurs conflits. C’est là-dessus que les acteurs pouvaient travailler, et c’était incroyablement utile.

Timothée, quel est le morceau qui vous a donné le plus de difficultés à mettre en place ? Et, musicalement parlant, dans votre vie personnelle, y a-t-il un « avant » et un « après » ce film ?

Timothée Chalamet : Un « avant », en termes de ma passion ou de ma compréhension de Bob Dylan ? Hmm, je ne sais pas ce qui était le plus difficile. Je dois dire que, d’un côté, les morceaux rock’n’roll des années 64, 65 étaient plus familiers pour moi avant le début du film, contrairement à la musique folk. Mais, une fois qu’on a commencé à travailler dessus, c’est finalement dans la musique folk que j’ai trouvé le plus de liberté !

Quand tu joues seul à la guitare, tu peux vraiment trouver ton propre rythme, tes propres moments. Tandis que pour des chansons rock’n’roll comme "Like a Rolling Stone", qui sont tellement ancrées dans l’imaginaire américain, tu es presque piégé, car elles sont déjà si emblématiques.

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Concernant l’avant et l’après, oui, absolument. J’en ai beaucoup parlé aux États-Unis. J’ai grandi avec la musique mainstream : du hip-hop, de la pop, ce qu’on trouvait sur iTunes à l’époque. Mais après ce film, et grâce à Bob Dylan, j’ai découvert des artistes iconiques comme The Rolling Stones ou The Beatles. Ces découvertes ne se sont pas limitées aux morceaux les plus connus, elles m’ont aussi ouvert à des mouvements comme la Nouvelle Vague en France.

Bien que cela semble différent de la musique américaine des années 60, il y avait cette même volonté de transformation artistique en France à cette époque. C’est fascinant de voir comment ces attitudes convergent.

Je pense qu’il est important de rappeler aux jeunes, ceux qui ont 18 ou 25 ans, qu’il ne s’agit pas simplement d’une question d’éducation musicale, mais d’une manière de comprendre où nous en sommes aujourd’hui. Cette ouverture est essentielle, surtout dans un moment où il semble parfois difficile de faire avancer tout le monde ensemble, avec impatience mais aussi avec espoir.

Timothée, quel a été l’aspect ou la chose la plus difficile à incarner dans Bob Dylan, surtout dans une période aussi transformative de sa vie ?

Timothée Chalamet : Franchement, je n’ai pas une bonne réponse à ça, je jure ! C’est vraiment difficile à dire. Mais je dirais qu’il y avait une certaine liberté, et en même temps, l’un des plus grands défis était lié au manque de matériel sur cette période précise de sa vie.

Il y a énormément de documents visuels, de documentaires et de musique sur Bob Dylan des années 1963, 1964, 1965. Mais le film commence en 1961-1962, une période où il existe très peu de contenu sur lui. Sur Internet, il n’y a quasiment pas de vidéos, et la musique disponible se limite souvent à des démos.

Ces démos sont très peu produites, ce qui m’a donné une plus grande liberté pour explorer cette époque. Mais paradoxalement, c’est aussi une période que même les historiens ou les fans inconditionnels de Bob Dylan connaissent moins bien. Il y a beaucoup moins d’histoires ou de détails connus sur ces années-là, ce qui a rendu l’interprétation à la fois fascinante et complexe.

Edward et Monica, qu’en est-il pour vous ? Quelles ont été les choses les plus difficiles à gérer ? Edward, vous avez dit que vous n’aimiez pas trop décortiquer le processus, mais qu’en est-il du banjo ? Est-ce que ça a été compliqué, surtout pour ces longues soirées de chant en live sur scène ?

Edward Norton : Eh bien, j’avais déjà une certaine base grâce à mon entraînement au cirque, qui comprenait un peu de banjo classique. Mais, vous savez, le banjo classique français, ce n’est pas la même chose que le banjo folk. C’était un peu un ajustement.

Mais honnêtement, la musique n’a jamais été un défi. C’était une joie. La musique, c’est le plus beau cadeau qu’un réalisateur puisse vous offrir. Vous savez, quand on vous dit : « Viens, travaille et joue cette musique », c’est juste un rêve devenu réalité.

Monica, pour vous, était-ce plutôt la guitare ou le chant qui représentait le plus grand défi dans votre rôle ?

Monica Barbaro : Oui, je dirais que c’est, comme Edward l’a dit, le plus beau cadeau de tous les temps. Pouvoir considérer comme une journée de travail complète le fait de s’asseoir, d’apprendre la guitare et de chanter, jour après jour, pendant plusieurs mois, c’était incroyable. Je me sens vraiment chanceuse d’avoir eu accès à des coachs extraordinaires pour m’accompagner dans ce processus.

Mais oui, c’était aussi extrêmement difficile, principalement parce que j’admire tellement Joan. C’est une musicienne incroyable, et beaucoup de gens partagent ce respect et cette admiration que j’ai pour elle. Donc, essayer de me rapprocher de son son, de sa musicalité, c’était intimidant. C’était un défi assez effrayant à relever.

Mais, encore une fois, c’était aussi le plus beau cadeau de tous les temps. Et maintenant, je sais jouer de la guitare, non ? Donc, c’est une victoire en soi.

Timothée, vous dites que ce rôle vous a le plus impacté, comme vous nous l’avez confié au début de cette rencontre. Quand vous repensez à votre jeu et à ce rôle, qu’est-ce qui vous rend le plus fier de vous ? Et est-ce que ce grand rôle a suscité de nouvelles craintes pour la suite de votre carrière ?

Timothée Chalamet : Je dirais que, sincèrement, c’est une fierté qui est collective, pas seulement personnelle. C’est une véritable fierté pour nous tous ici, et aussi pour Elle Fanning, qui n’est pas là aujourd’hui. Nous nous sommes complètement immergés dans le monde des années 60. Nous avons donné tout ce que nous avions pour ce film.

Quand je dis qu’on s’y est mis à fond, je veux dire qu’on a mis de côté toutes nos habitudes modernes – les téléphones, les distractions d’aujourd’hui – pour se plonger entièrement dans cette époque. Edward a été le défenseur acharné de Pete Seeger, dans sa tête ce n’était pas « le film de Bob Dylan ». Monica, de son côté, a joué Joan Baez avec la même mentalité, celle de défendre son personnage avec passion et fidélité.

C’était une de mes craintes : que ce film devienne un autre biopic hollywoodien classique, un peu « formaté », comme on en a vu beaucoup récemment. Bob Dylan est un personnage qui mérite qu’on lui rende justice, qu’on l’aborde avec un respect profond, un casting irréprochable, et une implication totale. Nous avons fait cela, à 150 %. Ce n’est pas seulement un film sur Bob Dylan, c’est un film qui explore toute une époque, celle des années 60. Comme je le disais, il y avait une Nouvelle Vague en France, et aux États-Unis, c’était un mouvement musical, un bouleversement culturel.

Quant aux craintes, non, je n’en ressens pas. Franchement, je me sens de moins en moins inquiet. J’approche de mes 30 ans, et cette vie – cette carrière que j’ai choisie – est tellement étrange qu’il serait insensé de s’y aventurer avec des peurs. C’est une drôle de vie que de choisir de vivre sous le regard du monde, mais c’est une vie où il faut avancer sans crainte.

Timothée, est-ce que vous avez eu la chance de rencontrer Bob Dylan ? Si ce n’est pas le cas, pourquoi ? Est-ce que c’est un regret ?

Timothée Chalamet : Ma réponse est brève : non, je n’ai jamais eu l’opportunité de le rencontrer. J’aurais aimé, bien sûr, mais j’avais aussi beaucoup de respect pour lui. Comme on le voit dans le film, c’est quelqu’un d’assez mystérieux.

J’ai bien compris que ce n’était peut-être pas évident que cette rencontre puisse avoir lieu. J’aurais adoré le rencontrer et j’aimerais toujours, mais mon envie de le voir en personne n’a jamais surpassé mon respect pour lui. Je comprends aussi que ce n’est pas quelqu’un qui aime particulièrement se mettre en avant, se dévoiler en public, ou faire de nouveaux amis à 83 ans.

James, j’ai lu que Bob Dylan s’était pas mal impliqué dans le processus créatif du scénario. Est-ce qu’on peut en savoir plus ? À quel niveau ? On a remarqué qu’il y avait certaines libertés prises avec les faits. Est-ce que c’était une initiative de sa part ?

James Mangold : Ah, les libertés artistiques… Eh bien, ce film, comme Walk the Line, n’est pas le seul où je travaille sur des personnages réels. Même pour Le Mans 66 ou Une vie volée, on raconte des histoires inspirées de faits réels. Certaines personnes appellent ça des « biopics », d’autres, des « films de voitures de course », alors qu’en réalité, il s’agit toujours de récits biographiques sous différents angles.

Ce qui compte, c’est de trouver la vérité. Mais il n’y a pas une seule vérité. Même avec Bob Dylan, chaque personne aura sa propre perspective sur ce qui s’est passé. En tant que réalisateur, je ne peux pas tourner trois versions d’une scène ; je dois en choisir une et m’y tenir.

En termes de libertés artistiques, Dylan n’était pas là à dire : « Voilà ce qui s’est vraiment passé, mais allez-y, faites différemment. » Il comprenait que tout le projet était une entreprise différente de la simple retranscription de faits. Nous ne cherchions pas à faire une entrée Wikipédia, une chronologie ou une suite de sous-titres avec des dates. Notre but était de capturer une émotion, un ressenti.

Les livres peuvent documenter les faits. Les discographies archivent la musique. Les documentaires montrent des images réelles de ce qui s’est passé. Mais notre film devait capturer ce qu’aucun de ces formats ne peut faire : ce qui se passait dans les pièces où il n’y avait pas de caméras, ce que ressentaient les personnages dans l’intimité, loin des regards extérieurs.

Parce qu’un documentaire, soyons honnêtes, n’est pas une capture de la réalité, mais une représentation de cette réalité en présence d’une caméra. Et ce que Dylan m’a offert, c’est un témoignage très honnête de ce qu’il ressentait à cette époque. Ce n’est pas tant ce qui s’est passé qui m’intéressait, mais comment il l’a vécu.

Une chose qui m’a marqué, et que j’ai partagée avec Timothée et intégré au scénario, c’est quand Dylan m’a parlé de son envie d’avoir un groupe. Le mot qu’il a utilisé à plusieurs reprises était « solitude ». Il m’a décrit ce que c’était que d’être un artiste solo, et c’était puissant.

Ce n’était pas une envie de révolutionner la culture ou de changer la direction de la musique populaire. C’était un besoin fondamental : ne plus se sentir seul sur scène. Il voyait Johnny Cash et les Tennessee Three, et il se disait : « Ils s’amusent, et moi, je suis tout seul. »

Ces sentiments primaires, comme la solitude ou le désir de connexion, sont des éléments fondamentaux que je cherche toujours à capturer en tant que réalisateur et scénariste. Parce que, pour un acteur, jouer le besoin de connexion est beaucoup plus tangible que de jouer une volonté de changer le modèle culturel de la musique populaire.

Et je pense qu’une grande partie de ce que nous faisons dans nos vies est motivée par ces sentiments primaires. Dylan m’a offert une perspective précieuse sur les réalités émotionnelles de cette période de sa vie, et c’était d’une aide inestimable.

Timothée, tu parlais de te replonger dans les années 60, et on le voit dans le film : c’était une époque où la musique jouait un rôle politique, et Bob Dylan s’engageait dans la lutte pour les droits civiques. Le film sort à un moment où l’Amérique semble plonger dans l’inconnu, et où les avancées de cette époque sont menacées. Ressens-tu une certaine nostalgie pour cette période ? Et est-ce que cela a suscité des réflexions en toi sur ce que l’Amérique devient aujourd’hui ?

Timothée Chalamet : Oui, je pense qu’il y a une nostalgie. Et si cette nostalgie existe, c’est parce que, dans les années 60, des jeunes artistes comme Bob Dylan, Joan Baez, Pete Seeger ou des penseurs comme James Baldwin n’avaient pas de précédent. Il y avait un véritable optimisme, l’idée que les gens et les choses pouvaient changer, et que l’art pouvait avoir un impact politique ou culturel significatif.

Je pense que c’est différent aujourd’hui. Il y a un cynisme beaucoup plus présent, à mon avis. La jeune génération – que ce soit aux États-Unis, en France, ou ailleurs dans le monde – fait face à des obstacles qui, peut-être, sont encore plus intenses que ceux des années 60. Si on pense aux enjeux environnementaux ou aux crises politiques que tu as mentionnées, ces défis sont énormes.

Ce serait incroyable de voir émerger une figure comme Bob Dylan aujourd’hui. Mais même à ce niveau-là, je pense qu’il existe un certain cynisme. Par exemple, si quelqu’un sortait une chanson ou un film très critique ou engagé, on pourrait le percevoir comme étant récupéré ou « corporate ». Ce genre d’attitude rend les obstacles encore plus difficiles à surmonter aujourd’hui.

Merci.

Un parfait inconnu n’est pas seulement un biopic sur Bob Dylan. Il s’agit d’un hommage vibrant à une époque où la musique était un vecteur de changement, porté par une équipe d’acteurs et de techniciens passionnés. Chalamet, Norton, Barbaro et Mangold ont su transmettre l’âme de cette période et l’impact durable de Dylan sur l’art et la culture.

Le film, en salle dès le 29 janvier 2025, promet une immersion émotionnelle et réflexive. Une expérience à ne pas manquer, que vous soyez fan de Dylan ou simplement curieux de découvrir l’esprit des sixties.