Bohater przechodzi przez kilka pomieszczeń, kamera podąża za nim, a scena toczy się bez przerwy: ujęcie-sekwencja pozwala zmieścić całą sekwencję w jednym ujęciu. Zachowuje ciągłość akcji, zamiast dzielić ją na kilka zmontowanych ujęć. Film, który sprawia wrażenie, jakby nie było w nim żadnych cięć, niekoniecznie został jednak nakręcony za jednym podejściem.
W obrębie tego ujęcia inscenizacja wciąż organizuje to, co widzimy. Postacie zbliżają się do siebie lub oddalają, wchodzą w kadr albo z niego wychodzą; punkt widzenia może się zmieniać wraz z ruchem kamery. Jedno ujęcie może więc przenieść widza od szerokiego planu do zbliżenia twarzy, bez cięcia.
Ta ciągłość wymaga starannych przygotowań. Mówiąc o filmie Chronique d'une liaison passagère, Emmanuel Mouret wyjaśnia w rozmowie z CNC, że ruchy postaci wyznaczały ruchy kamery. Aktorzy mieli do opanowania kilka stron dialogu, a także musieli trzymać się określonych pozycji. Wejścia, wyjścia i zmiany kadru były więc precyzyjnie zaplanowane w obrębie jednego ujęcia — reżyser opisuje to jako prawdziwą choreografię.
Należy też odróżnić ujęcie kręcone bez przerwy od ciągłości zrekonstruowanej w montażu. W filmie 1917 w reżyserii Sama Mendesa długie ujęcia połączono za pomocą ukrytych cięć. BFI opisuje między innymi sceny w ciemności lub zbliżenia, które pozwalają zamaskować te połączenia. Wrażenie nieprzerwanego ruchu może więc być efektem montażu.
Aby rozpoznać ten zabieg, warto więc zadać sobie pytanie o cięcie: czy sekwencja rozgrywa się w jednym nieprzerwanym ujęciu, czy też połączono kilka ujęć, by uzyskać takie wrażenie? Imponująca długość sceny nie wystarczy, by na to odpowiedzieć. Ujęcie-sekwencję można rozpoznać także po tym, jak prowadzi nasz wzrok, rozwijając akcję i zmieniając kadr w obrębie tego samego ujęcia.
Ta strona może zawierać elementy wspomagane przez SI, więcej informacji tutaj.
